La clave de Fa

1.1.- Nombres de las notas. Enarmónicos

Todos conocemos al menos el nombre de las notas musicales: Do Re Mi Fa Sol La Si (1).

A primera vista, parece que nuestro sistema se basa en siete notas, pero esto no es así, en realidad disponemos de 12 notas diferentes: existen algunas notas intermedias entre las que conocemos.

Concretamente, entre Do y Re, Re y Mi, Fa y Sol, Sol y La y entre La y Si existe una nota intermedia. Si tenemos a mano el teclado de un piano se visualiza muy bien: las notas que no tienen una tecla negra intercalada son la pareja Mi-Fa y Si-Do.

Estas notas intermedias se denotan con el símbolo # (sostenido) o ♭ (bemol). Así, Do# es la nota intermedia entre Do y Re. Esta nota intermedia también podría ser Re♭. Do# y Re♭ son dos notas enarmónicas: se nombran de distinta forma pero representan el mismo sonido (2). Más adelante veremos qué sentido tiene nombrar al mismo sonido de dos formas diferentes.

1.2.- Intervalos

Se puede definir un intervalo como la distancia entre dos notas. La distancia más pequeña en nuestro sistema es el semitono, que es la “separación” entre dos notas adyacentes, por ejemplo, Mi y Fa, ó La y Si♭, etc.

La distancia entre dos notas que tienen una “entre medias” es un tono, por ejemplo, de Do a Re, de Re a Mi, de Mi a Fa#, …

A continuación escribimos la tabla de intervalos y sus tipos:

Por supuesto, podemos “calcular” los intervalos a partir de cualquier nota, por ejemplo:

Algunos de estos intervalos son enarmónicos, esto es, tienen distinto nombre pero suenan igual (2ª aumentada y 3ª menor, 5ª aumentada y 6ª menor, 4ª aumentada y 5ª disminuída, …).

Veremos que en un determinado contexto no tiene la misma función una 4ª aumentada que una 5ª disminuída, por ejemplo.

Tareas para practicar

Completa la siguiente tabla:

Ver solución

Notas

• Se ha estandarizado el uso de las notas en inglés: C D E F G A B. Todos los libros, transcripciones, partituras, etc. que encontremos utilizan esta nomenclatura. En este curso también la usaremos.
• Siempre que estemos en el sistema temperado, que es el que se utiliza en la música occidental desde el s. XVI aproximadamente.

En esta entrada intentaremos sistematizar cómo tocar acordes en el bajo eléctrico de 6 cuerdas.
Partiremos del acorde de 7 y unas disposiciones o “voicings” muy sencillas: Fundamental, 3ª del acorde y 7ª del acorde. Partiendo de estas disposiciones es muy fácil adaptarlas a otros acordes (maj7, m7, etc) simplemente subiendo o bajando un semitono la nota correspondiente.

Partimos de dos “voicings” básicos:

• Tipo “A”: Fundamental – 3 – 7
  Este es un “voicing” cerrado, todas las voces están en el ámbito de la misma octava
• Tipo “B”: Fundamental – 7 – 3
  “Voicing” abierto (en realidad la 3ª es una 10ª)

Veamos las digitaciones:

Una consideración muy importante a la hora de tocar acordes en un instrumento tan grave como es el bajo: los intervalos pequeños dejan de sonar “bien” (con claridad, definidos, …) a partir de ciertas tesituras graves.
Hagamos la prueba con el voicing “A”, tocándolo a una altura en la que “suene bien” y vamos bajando por tonos:

Depende de cada instrumento, es una sensación subjetiva, etc, pero parece claro que a partir de cierto punto el acorde ya no suena con claridad. Para mi gusto, el C7 ya no suena muy bien, en las cuerdas 4-3-2 es aceptable, pero en las cuerdas 5-4-3 no me gusta nada.
Las disposiciones más abiertas (como el voicing “B”) nos permiten “bajar” más conservando la claridad del acorde.
Nuestro voicing cerrado (tipo “A”) tiene dos problemas: uno, está un poco desequilibrado (el intervalo más pequeño es el más grave, lo habitual suele ser dejar los intervalos pequeños en las voces más agudas) y dos, en las posiciones más agudas la fundamental pierde “peso” por estar en un registro relativamente agudo. Por ejemplo, en el primer acorde de Bb7 que presentamos ocurre esto.
Podemos mantener esta disposición (R-3-7) pero bajando la fundamental una octava. Llamaremos a esta nueva disposición A’

Con estas tres disposiciones o voicings ya podemos empezar a hacer ejercicios bastante interesantes: coros de blues, progresiones II-V-I, etc. Sólo hay que tener en cuenta que en los acordes m7 tendremos que bajar un semitono la tercera y en los maj7, subir un semitono la séptima.

Finalmente, aquí tenemos un resumen de todos estos voicings. He añadido otra disposición más, B’ en la que, de nuevo, la fundamental está una octava abajo respecto a la disposición B. Esta disposición sólo es practicable en las cuerdas 1, 2 y 6.

Siempre me ha gustado mucho el estilo de algunos guitarristas (por ejemplo, Joe Pass o Tuck Andress) que tocan simultáneamente una línea de bajo y acordes. También hay muchos bajistas que lo hacen.

Con el bajo de 6 cuerdas es relativamente sencillo, ya que hay bastantes “voicings” que suenan bien y son practicables sin destrozarse la mano:

Respecto a la ejecución, hay que pensar un poco como un pianista, asumiendo el pulgar las veces de mano izquierda y los dedos índice, medio (y anular) el rol de la mano derecha del pianista. Para que quede un walking bass “consistente” es imprescindible que el pulgar siga un pulso de negras continuo, aunque haya alguna nota fallida (como en el vídeo). Mejor eso que pararse ;-)

Por otra parte, es obvio que al estar haciendo acordes la línea de walking está un poco limitada a ciertos patrones (por lo menos en mi caso).